Meine Ziele und Wünsche für 2026 / My goals and wishes for 2026
Die Zeit rund um den Jahreswechsel erlebe ich immer ein wenig zwiegespalten. Wer mich kennt, weiß, dass ich kein großer Fan von Silvester bin. Und trotzdem hat der Start in ein neues Jahr für mich etwas Magisches. Ein neues Jahr fühlt sich an wie eine leere Leinwand, die Stück für Stück – oder besser gesagt Tag für Tag – bemalt wird.
I always experience the time around New Year's with mixed feelings. Anyone who knows me knows I'm not a big fan of New Year's Eve. And yet, the start of a new year has something magical about it for me. A new year feels like a blank canvas, which is painted piece by piece – or rather, day by day.
English translation belowDie Zeit rund um den Jahreswechsel erlebe ich immer ein wenig zwiegespalten. Wer mich kennt, weiß, dass ich kein großer Fan von Silvester bin. Und trotzdem hat der Start in ein neues Jahr für mich etwas Magisches. Ein neues Jahr fühlt sich an wie eine leere Leinwand, die Stück für Stück – oder besser gesagt Tag für Tag – bemalt wird.
„Gute Vorsätze“ habe ich mir schon oft gemacht, nur um sie im zurückkehrenden Alltag schnell wieder zu verlieren. In diesen Januar bin ich deshalb bewusst etwas anders gestartet: nicht mit strengen Vorsätzen, sondern mit groben Zielen und Wünschen, die ich vor allem für mein kreatives Business umsetzen möchte. Einige davon – und die Erkenntnisse, die ich in den letzten Monaten gewonnen habe – möchte ich hier mit euch teilen.
1. Ziel: Mehr Fokus
Im Kleinen wie im Großen. Auf der übergeordneten Ebene möchte ich meinen Fokus noch stärker auf meine Originalkunst legen. Das bedeutet, Aufgaben klarer zu priorisieren – zugunsten der Malerei selbst, aber auch ihrer Vermarktung. Mehr Zeit fürs Experimentieren, mehr Raum, um meinen Stil weiter zu entwickeln und zu schärfen. Meine Prints und die Fotografie bleiben ein Teil von mir und meinem Angebot, jedoch ist dies ein Part, der mittlerweile auf vielen Plattformen fast von selbst die Aufmerksamkeit auf sich zieht.
2. Wunsch: Mehr Platz und Licht
Ich brauche mehr Platz und vor allem mehr Licht zum Arbeiten. Mein kleines Studio zu Hause ist aktuell nicht optimal. Solange ich daran nichts Grundlegendes ändern kann (ich halte aber die Augen offen), möchte ich die bestehenden Gegebenheiten bestmöglich nutzen: Dinge auslagern, die ich für meine kreative Arbeit nicht brauche, und das vorhandene Licht besser ausschöpfen – zum Beispiel durch Spiegel oder eine bewusstere Raumgestaltung.
3. Ziel: Weniger Zeug
Ein großes Ziel für dieses Jahr ist das Aussortieren. Im Haushalt, im Atelier, im Büro – aber auch im kreativen Business. Ich möchte mich von Dingen und Bereichen trennen, die mir keinen wirklichen Nutzen mehr bringen, aber Energie kosten. Weniger Ballast, mehr Klarheit.
4. Wunsch: Pausen einlegen
Ich freue mich sehr auf den Frühling und habe mir fest vorgenommen, die wunderschöne Umgebung rund um Bad Nauheim bewusster zu nutzen. In der Natur kann ich am besten abschalten und reflektieren. Im letzten Jahr habe ich mir diese Zeit viel zu selten genommen – weil es ja immer noch etwas zu tun gibt. Das möchte ich ändern.
5. Ziel und Wunsch: Persönliche Verbindungen schaffen
2025 habe ich durch meine Einzelausstellung sowie die Teilnahme an einer Gruppenausstellung gemerkt, wie wertvoll es ist, Menschen die eigene Kunst persönlich zu zeigen und direkt in den Austausch zu gehen. Kunstwerke werden ganz anders erfahrbar, wenn man sie im Original sehen kann: Texturen, Farben, Details – und die Geschichten dahinter, wenn Künstler von ihrer Arbeit erzählen. Genau aus diesem Grund habe ich mich bei einer Kunstmesse beworben und bereits für Februar meine Teilnahme an einer weiteren Gruppenausstellung zugesagt.
Dabei spielt auch eine Rolle, dass ich hier mit anderen Künstler*innen in Kontakt komme - eine Situation, die ich glücklicherweise 2025 vermehrt erleben durfte. Der persönliche Austausch mit Menschen, die in einer ähnlichen Situation sind wie ich, hat so viele Vorteile: Die Einordnung der eigenen Arbeit durch äußeres Feedback und neue Blickwinkel. Ich lerne aus Erfahrungen anderer und kann auch meine Tipps weitergeben. Es ergibt sich so ein Netzwerk und neue Möglichkeiten tun sich auf: Kooperationen, Ausstellungshinweise, Empfehlungen entstehen häufig ganz nebenbei aus echten Gesprächen.
I always experience the time around New Year's with mixed feelings. Anyone who knows me knows I'm not a big fan of New Year's Eve. And yet, the start of a new year has something magical about it for me. A new year feels like a blank canvas, which is painted piece by piece – or rather, day by day.
I've often made "New Year's resolutions," only to quickly lose them again in the return to everyday life. This January, I consciously started a little differently: not with strict resolutions, but with broad goals and wishes that I want to implement, especially for my creative business. I'd like to share some of these – and the insights I've gained in recent months – with you here.
1. Goal: More Focus. In small ways and in big ways. On a broader level, I want to focus even more strongly on my original art. This means prioritizing tasks more clearly – for the benefit of the painting itself, but also its marketing. More time for experimentation, more space to further develop and refine my style. My prints and photography remain a part of me and my offerings, however, this is a part that now almost automatically attracts attention on many platforms.
2. Wish: More space and light. I need more space and, above all, more light to work. My small home studio isn't ideal at the moment. Until I can fundamentally change that (though I'm keeping my eyes open), I want to make the best possible use of the existing situation: outsourcing things I don't need for my creative work and making better use of the available light – for example, through mirrors or a more deliberate room layout.
3. Goal: Less Stuff. A major goal for this year is decluttering. In the household, in the studio, in the office – but also in my creative business. I want to get rid of things and areas that no longer serve me any real purpose but drain my energy. Less baggage, more clarity.
4. Wish: Taking Breaks. I'm really looking forward to spring and have made a firm resolution to make more conscious use of the beautiful surroundings around Bad Nauheim. Nature is where I can best switch off and reflect. Last year, I took this time far too infrequently – because there was always something else to do. I want to change that.
5. Goal and Desire: Creating Personal Connections. In 2025, through my solo exhibition and participation in a group exhibition, I realized how valuable it is to show people my art in person and engage in direct dialogue. Artworks become a completely different experience when you can see them in person: textures, colors, details – and the stories behind them, when artists talk about their work. This is precisely why I applied to an art fair and have already confirmed my participation in another group exhibition in February.
Another important factor is that I come into contact with other artists here – a situation I was fortunate enough to experience more frequently in 2025. The personal exchange with people who are in a similar situation to mine has so many advantages: I can contextualize my own work through external feedback and gain new perspectives. I learn from the experiences of others and can also pass on my own tips. This creates a network and opens up new opportunities: collaborations, exhibition announcements, and recommendations often arise quite naturally from genuine conversations.
Gruppenausstellung im Februar / Group Exhibition in February
Ich freue mich sehr, von Ende Januar bis Ende Februar mit neuen Arbeiten in den ESNZ Showroom zurückzukehren – an den Ort, an dem ich meine erste Ausstellung gestalten durfte. Dieses Mal teile ich mir diesen besonderen Raum mit vier weiteren Künstler*innen.
I am very much looking forward to returning to the ESNZ Showroom with new works from the end of January to the end of February – the very place where I had the privilege of curating my first exhibition. This time, I will be sharing this special space with four other artists.
Ich freue mich sehr, von Ende Januar bis Ende Februar mit neuen Arbeiten in den ESNZ Showroom zurückzukehren – an den Ort, an dem ich meine erste Ausstellung gestalten durfte. Dieses Mal teile ich mir diesen besonderen Raum mit vier weiteren Künstler*innen.
Meine Vorfreude gilt nicht nur der Vernissage am 31. Januar (von 16 - 19 Uhr), sondern auch den darauffolgenden vier Wochen, in denen sich unterschiedliche Werke und Stile begegnen und miteinander wirken werden.
“Im Februar zeigt der ESNZ Showroom eine Gruppenausstellung mit fünf Künstler:innen aus der Rhein-Main-Region. Arbeiten aus Malerei, Fotografie und Fotoart treffen aufeinander und eröffnen unterschiedliche Perspektiven auf Struktur, Atmosphäre und Essenz. Die Ausstellung bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Ruhe und Verdichtung, Naturbezug und menschlichem Einfluss. Der ESNZ Showroom wird dabei zum Ort des Dialogs – zwischen den Werken, dem Raum und den Betrachtenden.”
Mit Arbeiten von:
Mareike Böhmer · Malerei / Anna Kirchner · Fotoart / Alexander Lis · Malerei / Wolfgang Kahl · Fotografie / Man Fred Gloeckler · Malerei
Vernissage: 31. Januar 2026 von 16–19 Uhr, Ausstellung: 5. bis 27. Februar 2026 im ESNZ Showroom, Bad Nauheim (Alicestraße 13 in Bad Nauheim)
I am very much looking forward to returning to the ESNZ Showroom with new works from the end of January to the end of February – the very place where I had the privilege of curating my first exhibition. This time, I will be sharing this special space with four other artists. I am not only looking forward to the opening on January 31st (from 4 pm to 7 pm), but also to the following four weeks, during which diverse works and styles will meet and interact.
“In February, the ESNZ Showroom will present a group exhibition featuring five artists from the Rhine-Main region. Works from the fields of painting, photography, and photo art will converge, offering different perspectives on structure, atmosphere, and essence. The exhibition explores the tension between tranquility and intensity, connection to nature and human influence. The ESNZ Showroom will thus become a place of dialogue – between the artworks, the space, and the viewers.”
Featuring works by: Mareike Böhmer · Painting / Anna Kirchner · Photography / Alexander Lis · Painting / Wolfgang Kahl · Photography / Man Fred Gloeckler · Painting
Opening: January 31, 2026, 4–7 p.m., Exhibition: February 5–27, 2026 at the ESNZ Showroom, Bad Nauheim (Alicestraße 13 in Bad Nauheim)
“Color Shapes” - Eine kleine und bunte Kollektion / A small and colorful collection
Diese neue Print-Kollektion ist für mich etwas Besonderes. Wer meine aktuellen Arbeiten kennt, weiß, dass ich mich in den letzten Jahren eher ruhigeren Farbwelten angenähert habe. Umso spannender war es, nun wieder intensiver mit Farbe zu arbeiten – reduziert in der Form, aber mutiger in der Kombination.
This new print collection is something special for me. Anyone familiar with my recent work knows that I've been exploring more subdued color palettes in recent years. That made it all the more exciting to work more intensively with color again – reduced in form, but bolder in combination.
Diese neue Print-Kollektion ist für mich etwas Besonderes. Wer meine aktuellen Arbeiten kennt, weiß, dass ich mich in den letzten Jahren eher ruhigeren Farbwelten angenähert habe. Umso spannender war es, nun wieder intensiver mit Farbe zu arbeiten – reduziert in der Form, aber mutiger in der Kombination.
Die Motive bestehen aus zwei oder drei Farben, die aufeinandertreffen, sich ergänzen oder bewusst Spannung erzeugen. Klar, minimalistisch, und dennoch lebendig. Vielleicht ein kleines Echo früherer, farbintensiverer Phasen – aber übersetzt in meine heutige Bildsprache. Diese Arbeiten sind kein Bruch, sondern eher ein Experiment: Was passiert, wenn Farbe wieder mehr Raum bekommt, ohne die Ruhe zu verlieren?
Die Motive der Kollektion sind als hochwertige Prints erhältlich - sie laden dazu ein, Farbe ganz neu im Raum wirken zu lassen – subtil, aber präsent.
This new print collection is something special for me. Anyone familiar with my recent work knows that I've been exploring more subdued color palettes in recent years. That made it all the more exciting to work more intensively with color again – reduced in form, but bolder in combination.
The designs consist of two or three colors that meet, complement each other, or deliberately create tension. Clear, minimalist, yet vibrant. Perhaps a subtle echo of earlier, more color-intensive phases – but translated into my current visual language. These works aren't a break, but rather an experiment: What happens when color is given more space without losing its tranquility?
The collection's designs are available as high-quality prints – they invite you to experience color in a completely new way within a space – subtle, yet present.
Pantone Farbe des Jahres 2026 / Pantone Color of the year 2026
Jedes Jahr setzt die Pantone Farbe des Jahres einen sichtbaren Impuls für die Design-, Mode- und Interiorwelt. Materialien, Oberflächen und Farbpaletten orientieren sich daran, greifen Nuancen auf oder reagieren bewusst mit Kontrasten.
Every year, the Pantone Color of the Year sets a visible trend in the design, fashion, and interior design world. Materials, surfaces, and color palettes are influenced by it, picking up on its nuances or deliberately creating contrasts.
Jedes Jahr setzt die Pantone Farbe des Jahres einen sichtbaren Impuls für die Design-, Mode- und Interiorwelt. Materialien, Oberflächen und Farbpaletten orientieren sich daran, greifen Nuancen auf oder reagieren bewusst mit Kontrasten.
Pantone Color of the Year 2026
“Cloud Dancer, ein edles Weiß, das als Symbol für beruhigende Einflüsse in einer Gesellschaft dient, die den Wert der stillen Reflexion wiederentdeckt.”
PANTONE
Mit der Veröffentlichung der Pantone Farbe des Jahres 2026 vor wenigen Tagen sorgt das Farbinstitut für Gesprächsstoff. Die Wahl fiel mit “Cloud Dancer” auf einen einen sehr hellen, fast weißen Ton – und der wurde durchaus kontrovers wahrgenommen. Die Reaktionen auf die Entscheidung waren zwiegespalten - von positiv, überrascht bis ablehnend, manchmal sogar als politisch motiviert kommentiert.
Ich selbst war durchaus auch überrascht, schließlich hatte es im vergangenen Jahr einen deutlichen Trend zu eher farbfrohen Konzepten in der Interiorwelt gegeben. Unabhängig von der Diskussion zeigt diese Entscheidung vor allem eines: den Fokus auf Nuancen, Licht, Textur und Atmosphäre. Genau dort setzt auch meine eigene künstlerische Arbeit an.
In diesem Beitrag möchte ich einige meiner Werke vorstellen, die sich gut in eine “Cloud Dancer” Kollektion einfügen lassen würden – nicht als Kommentar zur Entscheidung, sondern als Einladung, Weißtöne neu zu sehen.
Every year, the Pantone Color of the Year sets a visible trend in the design, fashion, and interior design world. Materials, surfaces, and color palettes are influenced by it, picking up on its nuances or deliberately creating contrasts.
With the announcement of the Pantone Color of the Year 2026 a few days ago, the color institute has sparked considerable discussion. The choice fell on "Cloud Dancer," a very light, almost white tone—and this has been met with considerable controversy. Reactions to the decision were mixed—ranging from positive and surprised to dismissive, sometimes even interpreted as politically motivated.
I myself was quite surprised, given the clear trend last year toward more colorful concepts in interior design. Regardless of the debate, this decision primarily demonstrates one thing: a focus on nuances, light, texture, and atmosphere. This is precisely where my own artistic work begins.
In this post I would like to present some of my works that would fit well into a “Cloud Dancer” collection – not as a comment on the decision, but as an invitation to see white tones in a new light.
Medium: Acrylic colors and pastel chalks on canvas
Dimensions: 100 × 100 cm
This original acrylic painting captures a quiet sense of calm and weightlessness. Soft layers of white, pale grey, and hints of beige and blue blend together in a gentle, almost cloud-like movement — creating space for stillness and reflection.
Original painting on canvas, 55 x 65 cm, framed
Silent Drift 1 invites the viewer into a quiet, contemplative space where soft, layered brushstrokes drift across the canvas like fleeting thoughts or distant memories. Gentle tones of grey, muted neutrals, and cool blue accents emerge through a succession of translucent layers, creating a sense of movement that is both calm and introspective.
Size: 62 W x 82.5 H x 3.3 D centimeters
“Lines Between Layers” is the first larger painting where I experimented with sand as texture. It turned out beautifully, a natural look was created. Sand is part of the background, and the colors are sandy, too.
Minimal abstract artwork featuring soft white and light grey brush strokes, layered with fine linear details, creating a calm and textured composition. Available as (canvas) print in different sizes.
Based on an acrylic painting where white thick brush strokes meet a structured background in beige and grey shades. This print is available in different sizes, framed or unframed, on paper or on canvas.
Abstract and minimalistic artwork based on a watercolor painting that reveals a contrast between the white greyish brushstrokes on the top and the bottom and the blue-black part in the middle.
Ausstellung mit “New & Abstract” / Exhibition with “New & Abstract”
Meine erste Ausstellung hat mir gezeigt, wie besonders es ist, wenn Menschen meine Kunst live erleben können – und das in einem so inspirierenden Rahmen wie einer Galerie. Umso mehr habe ich mich gefreut, mit drei ausgewählten Werken Teil der Gruppenausstellung #13 von "New & Abstract" in Berlin zu sein.
Nachdem meine Ausstellung im Juni im ESNZ in Bad Nauheim zu Ende gegangen war, habe ich mich erst einmal für fast vier Wochen auf den Weg nach Skandinavien gemacht. Unterwegs zu sein ist wunderbar – aber genauso sehr liebe ich die Zeit zuhause, in der ich kreativ arbeiten kann.
Meine erste Ausstellung hat mir gezeigt, wie besonders es ist, wenn Menschen meine Kunst live erleben können – und das in einem so inspirierenden Rahmen wie einer Galerie. Umso mehr habe ich mich gefreut, mit drei ausgewählten Werken Teil der Gruppenausstellung #13 von "New & Abstract" in Berlin zu sein.
Die Vernissage der vierwöchigen Ausstellung fand am 2. Oktober statt – und ich wollte unbedingt dabei sein, wenn meine Kunst in der Hauptstadt zu sehen ist. Schon im Vorfeld war dieser Termin etwas ganz Besonderes für mich, denn Berlin ist seit vielen Jahren eine inspirierende Konstante in meinem Leben: die Stadt ist wild, rau und bunt, und ich kehre immer wieder hierhin zurück.
Umso passender, dass "New & Abstract", ursprünglich 2019 von Alexander Jackert als Kunstplattform auf Instagram gegründet, seit Juli 2024 einen eigenen Showroom in Berlin hat.
Für 22 Stunden ging es also für mich nach Berlin – drei davon verbrachte ich auf der Vernissage, der ich mit leicht wackeligen Knien entgegensah. Ich war allein dort und kannte niemanden, doch meine Sorgen waren völlig unbegründet. Der Abend verging wie im Flug: drei Stunden voller inspirierender Gespräche mit tollen Menschen, umgeben von einer lebendigen Mischung aus Kunstwerken und Künstler*innen. Besonders gefreut habe ich mich so tolle Künstlerinnen wie Annette Nolte, Chrissi Eklemes oder Katja Knoblich kennenzulernen, mit denen ich an dem Abend einen wunderbaren Austausch hatte, der hoffentlich auch in der Zukunft bestehen bleibt.
Das i-Tüpfelchen des Abends: Mein Bild “Natural Gradients” fand direkt an diesem Abend einen neuen Besitzer – eine wunderbare Überraschung, mit der ich wirklich nicht gerechnet hatte. Die zwei anderen Bilder der Ausstellung kann man hier erwerben.
After my exhibition at the ESNZ in Bad Nauheim ended in June, I embarked on a nearly four-week trip to Scandinavia. Being on the road is wonderful – but I also cherish the time at home when I can work creatively. My first exhibition showed me how special it is when people can experience my art live – and in such an inspiring setting as a gallery. I was therefore all the more delighted to be included in the group exhibition #13 of "New & Abstract" in Berlin with three selected works. The opening of the four-week exhibition took place on October 2nd – and I absolutely wanted to be there when my art was on display in the capital. Even beforehand, this event was something very special for me, because Berlin has been an inspiring constant in my life for many years: wild, raw, and vibrant.
It's all the more fitting, then, that "New & Abstract," originally founded in 2019 by Alexander Jackert as an art platform on Instagram, has had its own showroom in Berlin since July 2024. I spent 22 hours in Berlin – three of them at the opening, which I was approaching with slightly shaky nerves. I was there alone and didn't know a soul, but my worries were completely unfounded. The evening flew by: three hours filled with inspiring conversations with wonderful people, surrounded by a vibrant mix of artworks and artists.
The icing on the cake: my artwork “Natural Gradients” found a new owner that very evening – a wonderful surprise I truly hadn't expected. The other two artworks can be purchased here.
Pictures Copyright Ludger Paffrath
Kalender für 2026 / Calendars for 2026
Es ist schon wieder ein Jahr um, und 2026 steht vor der Tür. Auch für das neue Jahr biete ich wieder verschiedene Foto-Kalender an. Zusammen mit dem Heye Verlag erscheint wieder im deutschsprachigen Buchhandel mein Kalender “Pure & Simple” und bei Photocircle gibt es auch wieder drei Kalender zu unterschiedlichen Themen mit deren Kauf man auch noch etwas Gutes tut.
Schon wieder ist ein Jahr fast um. Es ist doch erstaunlich wie schnell die Monate an einem vorüberziehen. Eben waren wir noch im Sommerurlaub in Skandinavian, nun steht schon fast Weihnachten vor der Tür. Zeit sich mit einem oder mehreren Kalendern für das kommende Jahr einzudecken. Kalender sind nicht nur ein schönes Geschenk, für einen selbst oder die liebe Verwandtschaft, sie haben auch einen großen Mehrwert: Du bekommst damit nicht nur den Kalender an sich, sondern auch 12 hochwertig produzierte Wandbilder, die man nach Ablauf des Monats an die Wand hängen kann - einfach rahmen, fertig.
Auch für 2026 wird es wieder einen Kalender von mir im deutschsprachigen Buchhandel geben. Zusammen mit dem Heye Verlag ist nun schon die 5. Variante meines "Pure & Simple" Kalenders erschienen. Ich liebe diese Kollaboration so sehr, auch weil ich die 12 monochromen Motive aus einer Farbwelt unglaublich harmonisch und beruhigend finde. Den Kalender gibt es im lokalen Buchhandel oder auch online wie z.B. hier oder hier.
Another year has almost passed. It's amazing how quickly the months fly by. It seems like just yesterday we were on our summer vacation in Scandinavia, and now Christmas is practically here. This time of year is always peak season for calendars for the coming year. They're not just a lovely gift for yourself or loved ones; calendars also offer so much added value. You don't just get the calendar itself, but also 12 high-quality wall art prints that you can hang on the wall after each month – simply frame them, and you're done.
I'll be releasing another calendar for 2026 in German-speaking bookstores. The fifth edition of my "Pure & Simple" calendar, published in collaboration with Heye Verlag, has just been released. I absolutely love this partnership, especially because I find the 12 monochrome images, all within a single color palette, incredibly harmonious and calming. The calendar is available at your local bookstore or online, for example, here or here.
Drei weitere Kalender für 2026 biete ich zusammen mit dem Berliner Unternehmen photocircle an. Das Tolle daran ist, dass für jeden verkauften Kalender (oder jedes Wandbild) Bäume in Äthopien gepflanzt werden. Dazu gibt es die Kalender jeweils in drei unterschiedlichen Größen. Dieses Jahr ist mein "A Scandinavian Summer" Kalender dazu gekommen, der ein paar Highlights von unserem vierwöchigen Trip durch Skandinavian zeigt (Ein Video dazu findest du hier). Aber auch mein geliebter Blumen-Kalender "In Bloom" ist wieder erhältlich, wie auch der "Moments in Nature" Kalender.
I'm offering three more calendars for 2026 in collaboration with the Berlin-based company photocircle. The great thing about them is that for every calendar (or wall art print) sold, trees are planted in Ethiopia. Each calendar is available in three different sizes. This year, my "A Scandinavian Summer" calendar has been added, showcasing some highlights from our four-week trip through Scandinavia. My beloved flower calendar, "In Bloom", is also available again, as is the "Moments in Nature" calendar.
BAD NAUHEIM KALENDER
Meine limitierten Bad Nauheim Kalender für Wand und Tisch sind ab dem 27. November bis Weihnachten ausschließlich im Atelier 6zehn. bei Mode-Designerin Claire Nungesser erhältlich (Burgstraße 21, Bad Nauheim).
My limited edition Bad Nauheim calendars for wall and desk are available exclusively at Atelier 6zehn, run by fashion designer Claire Nungesser, from November 27th until Christmas.
My first exhibition
June 2025 is a very special month for me.
My first exhibition is currently on display at the ESNZ showroom in Bad Nauheim. For four weeks, my originals and photographs will be hanging in a beautiful space that lends new meaning to my work. The opening took place on June 2nd – and wow, I was so excited!
June 2025 is a very special month for me.
My first exhibition is currently on display at the ESNZ showroom in Bad Nauheim. For four weeks, my originals and photographs will be hanging in a beautiful space that lends new meaning to my work. The opening took place on June 2nd – and wow, I was so excited! Not only because I'd been working intensively for weeks toward this moment and painting new pieces until the very last minute – but especially because I was able to witness how many people came especially to see my art and celebrate with me.
The fact that this exhibition is so special for me also lies in my past.
In 2012, I began working freelance creatively, initially alongside my day job. I uploaded my images online to Society6, a then-new print-on-demand art shop. When the first sales came in in 2013 and developed into a nice side income in the following years, I was firmly established in this field. People from all over the world ordered my motifs as inexpensive posters – but I had nothing to do with production, shipping, or customer contact; the sales often appeared only as numbers on the shops' invoices. I rarely found out where my art ended up and what meaning it had for the buyers. Only by chance or targeted searches on Instagram could I discover my images in other people's homes – and that was a great feeling every time.
A lot has changed in recent years—not only in my artistic expression, but also in the world of online art shops in general. The market is now full of similar offerings, there are permanently sales going on and sales figures for individual artists are declining. More and more motifs are being copied or generated by design departments using artificial intelligence... But I firmly believe that every trend has a countertrend and that there are still many people who want to know the artist, the story behind the art, and something special.
Especially in these times, more and more people are longing for something real.
It's fitting that my style has evolved – and at the same time, the desire to create something authentic and special has grown. Works of art that you can touch, where you can feel the brushstrokes on the canvas. Sand textures, wooden frames, high-quality textured artist paper, or self-made stretcher bars – all of these things play a key role in my work today. And I'm incredibly happy that I can now show my abstract paintings in such a special setting.
The personal reactions to my works, especially during the opening, gave me a lot of self-confidence. Confidence that I was on the right path. Of course, I often doubted whether I even had a chance in the crowded art market. But what else could I do? There's no alternative for me but to be creative and try to capture my world on canvas or in a photograph. Staying true to yourself isn't always easy. Finding your own voice, your own expression—that's a process. But especially in preparing for this exhibition, I felt that I had no choice but to show only what truly represents me. Paintings in which I didn't see myself were left out. At almost 42, I'm still on my creative journey—but I've never been so close to myself and the essence of my art.
The exhibition in the ESNZ showroom runs until June 28.
The gallery is open:
→ Thursdays from 4 p.m. to 6 p.m.
→ Fridays from 11 a.m. to 6 p.m.
→ Saturdays from 11 a.m. to 2 p.m.
Or by appointment.
Location: Alicestraße 13, 61231 Bad Nauheim
Meine erste Ausstellung
Der Juni 2025 ist ein ganz besonderer Monat für mich.
Meine erste Ausstellung ist derzeit im ESNZ Showroom in Bad Nauheim zu sehen. Für vier Wochen hängen meine Originale und Fotografien in einem wunderschönen Raum, der meinen Arbeiten eine neue Wertigkeit verleiht. Am 2. Juni fand die Vernissage statt – und wow, ich war so aufgeregt!
Der Juni 2025 ist ein ganz besonderer Monat für mich.
Meine erste Ausstellung ist derzeit im ESNZ Showroom in Bad Nauheim zu sehen. Für vier Wochen hängen meine Originale und Fotografien in einem wunderschönen Raum, der meinen Arbeiten eine neue Wertigkeit verleiht. Am 2. Juni fand die Vernissage statt – und wow, ich war so aufgeregt! Nicht nur, weil ich wochenlang intensiv auf diesen Moment hingearbeitet und bis zuletzt an neuen Stücken gemalt habe – sondern vor allem, weil ich miterleben durfte, wie viele Menschen extra kamen, um meine Kunst zu sehen und mit mir zu feiern.
Dass diese Ausstellung nun so etwas Besonderes für mich ist, liegt auch in meiner Vergangenheit.
2012 begann ich, kreativ frei zu arbeiten, zunächst noch neben meinem eigentlichen Beruf. Ich lud meine Bilder online bei Society6 hoch, einem damals neuartigen Print-on-Demand-Shop für Kunst. Als 2013 die ersten Verkäufe eintrafen und sich in den folgenden Jahren zu einem schönen Nebenverdienst entwickelten, war ich in diesem Bereich fest verankert. Menschen aus der ganzen Welt bestellten meine Motive als kostengünstige Poster – doch mit der Produktion, dem Versand oder dem Kundenkontakt hatte ich nichts zu tun, die Verkäufe erschienen oft nur als Zahlen in den Abrechnungen der Shops.
Ich erfuhr nur selten, wo meine Kunst landete und welche Bedeutung sie für die Käufer:innen hatte. Oft nur durch Zufälle oder gezielte Suchen auf Instagram konnte ich meine Bilder in fremden Wohnräumen entdecken – und das war jedes Mal ein großartiges Gefühl.
In den letzten Jahren hat sich viel verändert – nicht nur in meinem künstlerischen Ausdruck, sondern auch im Bereich der Online Kunstshops generell. Der Markt ist mittlerweile gesättigt mit ähnlichen Angeboten, es gibt überall und ständig Sales und für einzelne Künstler:innen sind die Verkaufszahlen rückläufig. Bei Billiganbietern findet man oft kopierte Motive oder sie werden mit künstlicher Intelligenz von Designabteilungen generiert… Aber ich glaube fest daran: Auf jeden Trend folgt ein Gegentrend.
Gerade in diesen Zeiten sehnen sich immer mehr Menschen nach etwas Echtem.
Dazu passt, dass sich mein Stil weiterentwickelt hat – und gleichzeitig ist das Bedürfnis gewachsen, etwas Echtes und Besonderes zu schaffen. Kunstwerke, die man anfassen kann, bei denen man die Pinselstriche auf der Leinwand fühlen kann. Texturen aus Sand, Rahmen aus Holz, hochwertiges Künstlerpapier mit Struktur oder selbstgebaute Keilrahmen – all diese Dinge spielen heute die Hauptrolle in meiner Arbeit. Und ich bin unglaublich froh, dass ich meine abstrakten Malereien nun in so einem besonderen Ambiente zeigen darf.
Die persönlichen und öffentlichen Reaktionen auf meine Werke, vor allem während der Vernissage, haben mir viel Selbstvertrauen gegeben. Vertrauen darin, dass ich auf dem richtigen Weg bin. Natürlich habe ich oft gezweifelt – ob ich überhaupt eine Chance habe auf dem übervollen Kunstmarkt. Aber was soll ich sonst tun? Es gibt keine Alternative für mich, als kreativ zu sein und zu versuchen, meine Welt auf Leinwand oder in einem Foto festzuhalten. Sich selbst treu zu bleiben, das ist nicht immer einfach. Die eigene Stimme zu finden, den eigenen Ausdruck – das ist ein Prozess. Doch gerade in der Vorbereitung auf diese Ausstellung habe ich gespürt, dass ich gar nicht anders kann, als nur das zu zeigen, was wirklich mir entspricht. Malereien, in denen ich mich nicht gesehen habe, wurden nicht mitgenommen.
Mit fast 42 Jahren bin ich noch immer auf meiner kreativen Reise – aber so nah an mir selbst und an der Essenz meiner Kunst war ich noch nie.
Die Ausstellung im ESNZ Showroom läuft noch bis zum 28. Juni.
Geöffnet ist die Galerie:
→ donnerstags von 16–18 Uhr
→ freitags von 11–18 Uhr
→ samstags von 11–14 Uhr
Oder nach Vereinbarung.
Adresse: Alicestraße 13, 61231 Bad Nauheim
Pantone Color of the Year 2025 - Mocca Mousse
Every year, creatives worldwide eagerly await Pantone’s announcement of the Color of the Year, a hue that sets the tone (quite literally) for design, fashion, and art trends. For 2025, the choice is Mocca Mousse—a warm, earthy brown that feels both comforting and sophisticated.
Every year, creatives worldwide eagerly await Pantone’s announcement of the Color of the Year, a hue that sets the tone (quite literally) for design, fashion, and art trends. For 2025, the choice is Mocca Mousse—a warm, earthy brown that feels both comforting and sophisticated.
Mocca Mousse (the picture on the left doesn’t show the exact color shade)
Artwork in the background: My abstract photography artwork “Papers and Shadows 4”
I can’t help but I feel happy about this selection. I like the color, and yes, that’s a simple and very personal statement ;) Compared to some of the colors chosen in recent years—like Greenery in 2017, which I found challenging to embrace and not easy to look at — Mocca Mousse feels timeless and versatile. In fact, it reminds me of one of my all-time favorites, Classic Blue from 2020, which also carried a sense of calm and depth.
Brown tones have often been overlooked in the last years when it comes to the Pantone Colors. Mocca Mousse is not a boring choice, it’s subtle warmth makes it an ideal companion for a wide range of palettes. It pairs beautifully with soft neutrals like beige and cream, but it also holds its own next to brighter, complementary hues such as teal or dusty pink. I can already see the stylings and interpretations that will be published within the next months in interior magazines.
Looking back, many of my artworks have already embraced this tone, even before it was officially crowned. I’ve noticed that earthy hues, especially warm browns, have been quietly trending in the art world over the past few years. They create a sense of calm and natural beauty that resonates deeply with viewers. I’ll be sharing some of my pieces that prominently feature Mocca Mousse in this article, so you can see how it adds depth and warmth to abstract compositions and nature-inspired photography alike.
What are your thoughts on Pantone’s choice this year? Let me know in the comments.
